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摇滚与艺术那些不为人知的甜蜜时刻

MUSLOG音乐人 2020-09-15 14:30:44


在摇滚乐越来越丰富的今天,许多摇滚人已经并不满足于,用音乐表达自己的独特理念,更加注重作品的完整表达成了更高的追求,视觉感官也成了他们的表达方式之一,于是他们瞄准了专辑封面。


一张好的专辑封面水准,会和专辑内的音乐成正比,当更多艺术能量的注入,给予了音乐新的生命力,让摇滚作品无限接近艺术品。


以下几个例子,就是音乐人与艺术家合作的典范。

 




Sigur Rós乐队

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艺术家

Ryan McGinley( 麦克金利)

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 专辑

《Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust》



麦克金利的作品离不开青春这个主题,人物以青少年为主,裸露占据重要成分,构图直接,用色简单俐落,充满了梦幻而纯净的色彩。青春洋溢,又彰显叛逆,有六七十年代嬉皮士的味道。







在每一幅作品中,年轻人的生活都显得激情而快乐,和自然融合一体。在大自然中汲取阳光露水,每个音符都恣意开出花朵,就这么纯粹。





 Blur乐队

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艺术家

Julian Opie

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专辑

《Blur: The Best Of》



当红英国艺术家 Julian Opie 之手,为blur乐队的四位成员绘制了肖像。他的作品总是将图像不断地简化简化,直到消除所有细节,只留下极简的线条和平铺的填色。他的作品虽然极简,却有着独特的生动感和都市感。











Sonic Youth 乐队

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艺术家

Gerhard Richter

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专辑

《Daydream Nation》



Sonic Youth 这只纽约乐队几乎每张专辑封面都是艺术品。


上图封面的作品来自里希特的蜡烛系列。这位德国最重要的在世艺术家,总是在不断地反思,因此他的作品也经历了多个时期。他在上世纪60年代-80年代的 Photo-paintings 系列就是其中的重要时期之一。这些作品大多基于照片来进行创作,但与其说他是去“画一张照片”,不如说是用绘画的方式“重新拍摄”照片。既有摄影的旁观者视角,又有着绘画对于光影的独特表现力。


他的绘画借鉴的是报道摄影甚至广告图册摄影里那种“不带感情”的记录方式中冷静的气质。比如他以新闻事件为灵感来源的作品就直接描绘了死亡的档案照片(对主观情绪强加克制,不煽情,反而有了新的力量),本质上与超写实作品是有区别的。









U2乐队

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艺术家

Hiroshi Sugimoto( 杉本博司)

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专辑《No Line On The Horizon》




杉本博司的很多作品主题都是“时间”。在这组《海景》系列中,杉本博司将这种时间感推向了远古,最终呈现出了永恒之美。通


过抽离出来的海的模样,杉本博让人们感受到人类的祖先在几十亿年前第一次看到大海时的感受,这种将当下与历史瞬间连接起来的力量令人震撼。









 The Velvet Underground & Nico

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艺术家

Andy Warhol 安迪·沃霍尔

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专辑

《The Velvet Underground & Nico》


这个专辑这个封面这个乐队这个艺术家都代表着纽约最迷人的岁月。这张由安迪·沃霍尔设计的封面上写着行小字“慢慢揭开看看”,而揭开“香蕉皮”贴纸后露出的粉红色的“香蕉肉”显然是有着色情意味的。



沃霍尔的第一件创作是“可口可乐”。在安迪·沃霍尔看来,没有什么比“可口可乐”这个形象更能代表这个物欲的消费时代了。那个时候的纽约正是美国战后消费主义盛行的时期,整个社会被各种商品、充满物欲的广告轰炸。敏感的沃霍尔很快地意识到了这一点,并试图通过艺术来表达。


在“可口可乐”之后他选择去绘制的坎贝尔汤罐头——这个工业消费时代批量生产的速食的“美食”,也正是消费时代的符号之一。而作为大众性感符号的浓妆艳抹的玛丽莲梦露——不是作为一个“真实的人”的梦露——也跟可口可乐一样,是这个物欲时代的象征。


最终,这些批量复制的丝网版画的汤罐头、梦露、美元、可乐……像视觉轰炸一样袭来——正如那个时代一样。







#来说说你最喜欢的专辑封面#




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文章转载自知乎 | 原作者赵阿萌

编辑 | 牧小乐

歌曲&图片 | 来源于网络



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