我眼中的电声乐队四大乐器

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所谓“电声乐队四大乐器”，指的就是电贝司（Bass）、爵士鼓（Drums）、电吉它（Guitar）和键盘（Keyboard）

这四个乐器在电声乐队中的重要程度是完全等同的，缺一不可，但是它们各自的作用却各不相同。电声乐队的四大乐器和其他一些独奏乐器不一样，这四者永远都是互补关系的，一首乐曲中加入少了他们中间的任何一个，那么音乐效果就会截然不同。关于四大乐器的关系我觉得可以从创作和演奏这两个角度来表示：

从创作的角度来说，我觉得可以用一幅画像来形容他们之间的关系：每幅画像都要有画框，而每首乐曲中键盘就是画框，它是整首乐曲的一个大体的框架，限制了歌曲的范围。在框架内部依次是吉它、鼓和贝司，这是一个由浅入深的过程。先是吉它将由键盘构成的大体旋律发挥到极致，再是通过复杂的鼓点来使音乐更加富有变化性，最后则是贝司来真正使音乐活起来。因此，从创作的角度来说贝司是绝对的核心乐器。

另外，从演奏的角度说，则可以用一个球体来形容他们之间的关系：Drums在最内部，起着指挥的作用，任何乐器都必须跟着鼓点走才能不乱。在鼓周围依次是贝司、键盘和吉它，这是一个由灵魂到外表的过程。先是由贝司在鼓的基础上将“节奏集团”发挥到极致，再是通过键盘来做“旋律集团”的铺垫，同时起到一个过渡两大集团的作用，最外层则是由吉它来做最后的装饰。一个球体最先吸引你的就是它最外层华丽的外表，然后才能注意到它的内部构造，注意到它的本质、他的灵魂。同理，一首乐曲中，最引人注目的就是吉他，然后才能一次注意到键盘、贝司和鼓。因此，从演奏的角度来说鼓是绝对的核心乐器。

下面对这四个乐器进行详尽的分析：

1、电贝司（Bass）

Bass在创作中是绝对的核心乐器。

Bass在乐队中的主要作用有4个：  

与鼓配合，使乐曲更加震撼，这是贝司最基本的作用。Bass的声音很特别，每拨一下弦都给人一种很厚重的感觉，较吉他相比要震撼许多。正是由于它的这个特点，它才能和鼓完美配合，共同担当起使乐曲更加震撼的任务。

 

在鼓的基础上，充分运用贝司所特有的演奏技巧，使乐曲的节奏声部呈现出流动感，从而推动乐曲的情绪变化。虽然bass和鼓一样听起来很震撼，但由于它是有音调的乐器，因此在旋律上的处理明显比鼓更好。感觉国内的大多数摇滚乐队都是只注意到了上一点而忽视了这点，国外许多精心编排的贝司在乐曲中听起来给人一种很特别的感觉，能够很好地带动起听者的情绪。

渲染气氛，使乐曲更有意境。Bass的声音是有那么一点点梦幻的感觉，这种声音能让听者浮想联翩，而不再是仅仅注意到音乐本身。日本L`Arc~en~Ciel乐队的贝司手tetsu就很好地做到了这一点。但是，中国能将这点做得很好的贝司手似乎并不多。

除了以上3个作用之外，bass还有一个客观的作用就是连接鼓和吉他，使其融合在一起，而不像原来一样给人一种各干各的的感觉。由于鼓和吉他是处于“球体”的2个极端的，因此当它们同时出现在一首乐曲中的时候难免给人一种差异过大而无法融合在一起的感觉，但一旦加入bass就可以避免这一点。bass的声音是介于两者之间的，它既拥有鼓的震撼感，音色又和吉他有些类似，因此用它来连接鼓和吉它是再合适不过的了。

另外，虽然bass较吉它相比是不怎么用效果器的，更是很少使用失真音色，但适当的使用效果器或做出失真效果也能起到很好的效果，给人一种变化多端的感觉。

很多人都不了解bass，认为它的用处并不大，这实际上是一种错误的观点。从以上的分析中不难看出，一个乐队如果没有贝司，那么音乐就会少了很多东西。人们之所以会忽视bass，正如前文所说，很大程度上是因为能够将贝司发挥到极致的乐手太少了，更有一部分贝司手学习贝司是动机不纯的。这种动机不纯的贝司手分3种：一是先学的吉它，发现吉它很难后再转贝司；二是由于吉它技术是乐队里最差的，被队长逼着改学贝司；三是抱着“贝司由于是低音乐器，就算演奏时出错了也很难听出来”的心态学习贝司。这种贝司手几乎没有可能学好贝司，更不用说将贝司的作用发挥到极致了。这也就是为什么大多数贝司手都只能做到前两点，有一部分甚至连第二点都做不到，只知道一个劲“嘣嘣嘣”地几乎一个小节就一个音重复8下。正是由于bass不被人们所重视，所以现在很多乐队都只是单纯注意到了音乐本身，而没有利用好bass是音乐真正活起来，更没有延伸出来音乐的意境，这些也导致了在摇滚乐坛中吉他手的影响力是远远大于贝司手的。因此，想要让人们重视起贝司，就必须出现一些优秀的贝司手。

 

2、爵士鼓（Drums）

鼓是在演奏中是绝对的核心乐器，一个乐队没有鼓就相当于人没有骨架。作为核心乐器，鼓的作用是显而易见的：

为整首乐曲作铺垫，使音乐更加震撼，这是鼓最基本的作用。鼓是一首乐曲中最底层的乐器，其它乐器都必须围绕它进行发挥，因此它起到了一个为整首乐曲作铺垫的作用。此外，由于鼓是通过鼓槌敲击鼓面来发声的，因此它的音色是四种乐器中最震撼的，这便使音乐也变得更加震撼。

利用复杂的加花使音乐更富变化。一个鼓手不可能永远打基本节奏，必须要运用大量复杂的加花来使音乐更富变化。这点日本X-Japan乐队的鼓手yoshiki做得非常好，他的鼓点节奏分明，不但很有层次感，适时出现的加花更是让人听了无比震撼，在《Week End》、《Silent Jealousy》等歌曲中甚至出现了连续十小节左右的复杂加花。

利用擦片渲染气氛。我觉得几乎所有鼓手都只发挥出了前2个作用而忽视了这个作用。某些擦片的音色很特别，如果运用得当的话能够很好的渲染气氛。比如日本Dir En Grey乐队的《The Final》，这首歌的前奏中擦片运用地就非常出色。但有一点不可否认，那就是与其它乐器相比擦片渲染气氛的效果实在不是很强。

除了以上3个作用之外，drums还有一个客观的作用就是取代交响乐团中指挥的地位。这点在乐队排练的时候体现得最为明显，我们乐队每次排练鼓手都必须到场，不然根本就是一片混乱，因为所有乐器都没有一个速度的标准，导致合不到一起去。一首乐曲中每种乐器都是必须跟着鼓点走的，就像交响乐团中所有乐器都必须跟着指挥走一样。

 

3、电吉它（Guitar）

电吉他是摇滚乐迷中人气最高最受欢迎的乐器，在乐手中一般来说吉它手的影响力都是最大的。Guitar这么受欢迎一定有它的道理，这点从它的作用中就能看出来：

使乐曲更具冲击力，这是吉它最基本的作用。失真吉它的声音是很具冲击力的，在他的影响下音乐也会变得十分具有冲击力。

利用效果器，使音乐听起来有一种变化多端的感觉。吉它和贝司一样，只要使用得当，是可以将音色发挥到极致的。利用效果器可以使吉他做出各种华丽的效果，给人一种变化多端的感觉，大大增强音乐的感染力。

除了以上2个作用之外，吉他还有一个客观的作用就是为乐曲披上一层华丽的外衣。吉他是位于球体的最外层的，是一首乐曲中给人的第一印象，如果说鼓是骨架，贝司是血液，键盘是皮肤，那么吉它就是一层华丽的外衣。假如没有吉他，音乐就算再震撼、再有内涵，也会逊色许多——就像人不穿衣服一样。

 

4、键盘（Keyboard）

在很多金属乐队中键盘总是最被人们所忽视的一个乐器，但实际上键盘作为连接节奏和旋律的过渡乐器作用也很大：

模仿其他乐器的音色，这是键盘最基本的作用。键盘的发声原理导致了他可以模仿出几乎任何乐器的音色，这就为电声乐队提供了极大的方便。在一首歌曲中加入弦乐、钢琴或是其他的一些乐器往往可以使音乐更加完美，但对于大多数电声乐队而言是不具备这个条件的，你不可能为了录一首歌曲而专门去请一个交响乐队或一个钢琴家，于是你就可以用键盘来模仿这些乐器的音色。

利用特效，使音乐更加多元化。虽然键盘不能将一种音色发挥到极致，但它可以使用一定特效，让多种音色配合，使音乐更加多元化。

除了以上2个作用之外，键盘还有一个客观的作用就是连接节奏与旋律，并为吉他的发挥作铺垫。无论是节奏还是旋律，键盘都可以通过改变不同的音色来很好的胜任，因此让他来连接节奏和旋律是再合适不过的了。

 

    在这里我想把在前文中提到的“四大乐器与人体的关系” 扩展一下。其实这种关系从本质上说就是从演奏的角度来说四大乐器间的关系，只是将它变得更加形象化：在演奏中，鼓是骨架，是最核心的乐器，他掌控着全局，使音乐更稳定；贝司是血液，他为乐曲注入了生命，并控制着听众的情绪，使音乐真正活起来，变得有血有肉；键盘是皮肤，是“节奏集团”的保护膜，避免吉它对节奏直接造成冲击，使音乐更加和谐、统一；而吉它是外衣，他使音乐更加华丽、更加丰富多彩，一个人的内在的确很重要，但如果没有外部的衣物来加以打扮，那么从整体上看便会逊色许多，音乐也是一样的道理。其实这也解释了为什么吉它那么受欢迎——因为人们对最表面的东西总是最有感觉的。

 

以上内容都是单独的分析四大乐器的，下面将从“节奏与旋律”以及“极致与基础”两个角度来将四大乐器分类讨论：

 

相对节奏乐器 & 相对旋律乐器

所谓“相对节奏乐器”，指的是位于画像内部的鼓和bass，而“相对旋律乐器”自然就是指画像外部的键盘和吉他了，他们分别构成了“节奏集团”和“旋律集团”。当然这里的节奏和旋律都是相对而言的，不是说bass就不能弹旋律了，更不是说吉他就不能弹节奏了，只是他们在伴奏中前者更具节奏色彩，而后者则明显更具旋律色彩。

我个人是喜欢节奏乐器胜于旋律乐器的，因为我觉得节奏和旋律其实是一种基础与极致的关系。任何一首乐曲在创作的过程中必然是先有旋律后有节奏的，也就是说由键盘和吉它主导的旋律集团构成了一个大体的框架，而真正将音乐发挥到极致的则是以鼓和贝司主导的节奏集团，因此任何旋律都是因为节奏的存在才听起来更加完美。

从某种角度说，节奏与旋律实际上是正反面两种角度的限制关系。旋律构成了一个大体的框架，限制了节奏发挥的范围，可从另一个方面来说它自己又不能将这个框架发挥到极致，在这点上没有节奏自由；而节奏真正将旋律发挥到了极致，可从另一个方面来说它的发挥是在旋律的基础上的，需要时时考虑到与旋律是否合得起来，在这点上没有旋律自由。然而，我却觉得，自由并不代表一切，有时候禁锢才是真理。当你被禁锢在一个空间中的时候，你却可以将这个空间内的物体发挥到极致，这才是真正意义上的自由。

节奏乐器的自由度，一方面表现在上一段中所说的创作中，另一方面这点在乐器的形象上也有着微妙的体现：吉他弦与弦之间、键盘琴键与琴键之间的距离都是很小的，而贝司弦与弦之间、Drums鼓与鼓之间的距离较旋律乐器而言要大了许多，这在无意中就很形象地表示出了节奏乐器于旋律乐器的关系。

当然，虽然我喜欢节奏乐器胜于旋律乐器，但旋律乐器也有着很多的优点。最明显的一点就是一首乐曲中旋律永远要比节奏更引人注目，而且真正能决定一首乐曲的风格以及意境也是旋律而非节奏。

 

发挥到极致的乐器 & 基础乐器

无论是节奏集团还是旋律集团，都是由两个不同性质的乐器组成的，他们一个是基础乐器，另一个则是将基础发挥到极致乐器。在两大集团中，Drums和键盘是基础乐器，而贝司和吉它则是极致乐器。基础乐器为“发挥到极致的乐器”起到了一个很好的铺垫作用，从而使他们能够在此基础上更加自由的发挥，而且如果没有鼓和键盘做铺垫，那么贝司和吉它的声音就会显得很突兀。但从另一个角度来说，极致乐器让乐曲真正活了起来——吉它让旋律集团活了起来，而贝司让节奏集团活了起来，另外由于节奏集团是使整首乐曲活起来的，因此不难得出贝司才是让整首乐曲活起来的乐器的结论。

我觉得，基础乐器属于那种在音色上比较全面但不精的乐器，而极致乐器属于那种能够将一种音色发挥到极致的乐器。比如说：键盘拥有上百种音色，但由于其发声原理的限制，每种音色都不够完美，都无法发挥到极致，顶多做出一两个特效；Drums可以将不同音色的鼓和擦片自由组合，然后按照敲击的次序、时值不同来打出变化多端的节奏，但是，由于每个部件的音高都是固定的，所以你很难将其中某一个部件发挥到极致，只有当他们完整的排列起来的时候才能组成完美的节奏。与之相对的，吉他和贝司就算是同一根弦，如果拨弦的工具、方法、位置、力度发生了改变，那么音色也会发生改变，假如你借助了效果器，那音色就可谓是千变万化了，而这种种的变化，全部是建立在乐器自身那一根弦上的，除了拨片和效果器之外完全不需要使用任何外界工具。在这一个音的变化的基础上，完全可以就靠这根弦来完成一段乐曲，其他的几根弦仅仅是扩展了音域、提高了演奏速度而已。

正是由于bass和guitar能够将他们的音色发挥到极致，因此他们也是最适合solo的乐器，但bass solo与guitar solo却是两种截然不同的风格。guitar solo重视的是旋律本身，大多数guitar solo要么非常华丽要么非常优美；但bass solo更多的是重视旋律所延伸出的意境，因此bass solo往往比guitar solo听起来震撼得多，并有一种很梦幻的感觉，在气氛的渲染方面比吉他做得更好。

 

 另一方面，我始终觉得基础乐器是带有一点限制性的，而极致乐器则不存在。键盘在这方面体现得最为明显——品牌不同、型号不同都会导致键盘的演奏方式发生一定的变化，比如说不同品牌的键盘其自动和弦的指法会有一定差异，而不同型号的键盘其音色的种类也各不相同。这就导致了同样一首乐曲，也许你在你自己的键盘上能演奏得很完美，但假如换了另一台不同型号的键盘演奏出的效果就没有那么完美了。鼓也有类似的地方，不同的drums其通鼓、擦片、底鼓的数量或摆放的位置都是有所不同的，也许同一段鼓点你在你自己的鼓上能够演奏得很完美，但假如换了另一个鼓也许要么因为少了几个通鼓而限制了发挥，要么因为多了几个通鼓而使自己受到干扰，或是因为通鼓、擦片的位置发生了改变而敲错方向。与之相对的，bass和guitar就不存在这些限制，任何一把贝司或吉他你拿到手就能弹，顶多会因为没有效果器而无法发出你最喜欢的音色，或是因为弦及品格的数量不同而改变音域，但较基础乐器相比极致乐器在演奏方面受到的限制要小得多了。

不仅如此，基础乐器与极致乐器在定音上也是完全不同的。鼓没有音调，故不予讨论，剩下的乐器中，键盘的音是按C大调音节排列的，而贝司和吉它则是不同的弦不同的音高，而同一根弦上的音完全按照半音来划分。这就导致了在键盘上一个音永远只有一个键与之对应，而在贝司和吉它上同样一个音可以出现在多个地方，这样在演奏时就更为自由了。此外，如果要演奏非C大调音阶，键盘如果不使用自动移调功能的话就必须改变指法，而贝司和吉它则只需上下移动相应品格就行了，并不需要改变指法。

其实，这种限制性在乐器的造型上也有着微妙的体现。drums和键盘基本上都是庞然大物，不仅携带不方便，演奏时还都要固定在原地；而bass和吉他的体积都较小，都可以背在身上，想以什么姿势演奏都可以，能够配合着琴做出各种疯狂的动作，携带起来也方便，可以轻松的带到任何地方去弹。此外，在演奏基础乐器是你总有一种置身于音乐中的感觉，你是被音乐所控制的；而在演奏极致乐器时你却会产生一种音乐处在你的身体中的感觉，好像音乐是被你所控制的。这也是由基础乐器与极致乐器的造型差异导致的。

最后说明一点，尽管我比较喜欢极致乐器，但基础乐器并不是不如极致乐器，相反，他们正如开头所说是互补的关系。如果没有基础乐器来做铺垫，那么极致乐器的声音就会显得很突兀；而如果没有极致乐器，那么音乐听起来就会很单调。

 

从以上分析中不难得出一个照应开头的结论——电声乐队的四大乐器永远都是互补关系的，一首乐曲中加入少了他们中间的任何一个，那么音乐效果就会截然不同。这四个乐器中除了键盘，几乎没有一个是可以完美的完成独奏任务的，而键盘的声音由于是电子合成的，因此特点并不鲜明，并不能像专业独奏乐器（如钢琴）一样给人留下很深的印象。

正是由于这四大乐器的特别各不相同，因此不同性格的人可能会喜欢上不同的乐器。通常情况下，贝司手是最沉稳的，鼓手是最狂放的，吉它手是最张扬的，而键盘手是最具古典气质的（因为有不少键盘手都是从小学习古典乐，长大后才迷上摇滚的）。当然这只是通常情况，超级活泼的贝司手不是没有，超级内向的吉他手也有不少。

另外还有一个关于摇滚真正的标志性乐器的问题，如果要我说的话，我会说是电贝司。因为键盘经常被用来演奏古典乐，肯定不能作为摇滚的标志，而吉它和鼓的种类繁多，吉它除电吉他外还有古典吉他、民谣吉它，鼓的种类更是多了去了，这些都不能被作为摇滚的标志。唯有贝司，仿佛是为摇滚而生的——其他种类的贝司不是没有，但其电贝司的比例相差得太大了，因此贝司才是摇滚真正的标志性乐器。

当然，一个电声乐队里不可能只有这四样乐器，还会有一个很重要的角色——主唱（Vocal）。关于主唱与四大乐器，我觉得从创作上说是画像框架之外的更大的框架，因他限定了整首乐曲的范围（包括风格等），这四大乐器全部是围绕主音进行发挥的。而从演奏上说这是一个小球和大球之间的关系，主唱自身是一个小球，围绕着由四大乐器所组成的大球旋转，游刃有余地中和着各种音色。

最后说明一点，我自己是贝司手，另外以前学过键盘，因此这两个乐器是我最了解的，对其它乐器的理解难免会出现一些偏差，还请大家见谅。除此之外，我这篇文章还会很明显的偏向于Bass，因为这才是我心目中最好的乐器。正如文章标题所说，这只是“我眼中的电声乐队四大乐器”，我相信每个人都会有自己独特的理解。